Por una humanidad transfronteriza, planetaria y sin nacionalismos, donde si hay diáspora o exilio sea únicamente el musical, el creativo y el de la sensualidad. El film Terraferma (2011) tiene como fondo la emigración "ilegal" y las tensiones de la hospitalidad. Si están globalizados los bienes, la información y el capital, por qué no la circulación de personas. Ningún ser humano es ilegal.
"En que momento deja uno de ser quien es?" En The Tenant (el quimérico inquilino, Polanski, 1976) se deja de ser, cuando evitamos la muerte, cuando la alargamos mas de la cuenta y cuando cobardemente quedamos fascinados por la muerte de los otros. Yo se que hay otros momentos en los que nos salimos de nosotros mismos, en donde nos transgredimos. Muchas veces estos son momentos de intimidad, de fiesta o de transición.
Hacerle un guiño a la muerte en el momento oportuno. Y simpatizar y ser compasivo con ella, cuando se tenga que hacer.
El quimérico inquilino, es un film, gris, dramático y psicológicamente impactante y desgarrador. Me guardo la sensación, que la locura feliz, que me gusta mas, se da cuando ligo fragmentos de la realidad (de mi propia experiencia y a veces de la ajena) para reirme de ella, para desenfocarla. Una patafisica de las cosas, del diente envuelto con algodón dentro de un muro, al que se le hace una mueca para reír, para saber que detrás de todo lo que nos pasa, llega el pensamiento a tejer con los rastros sueltos que quedan, un gesto abierto que suspende la locura y un paisaje y un decreto existencial, de la muerte dulce, del instante eterno.
Qué busco cuando veo cine. Nada. Sólo me expongo a que unas imagenes del pensamiento desde la ficción subviertan lo real y que el pensamiento a través de imagenes revele la huella que nos impide pensar, que nos priva de ser.
Un buen maestro es un buen dramaturgo, pasa a través del tiempo, creando escenas. Y a través de estas escenas compone delicadamente el mundo inmaterial y material, el mundo de la vida y de los sueños
Hay cantidad de problemáticas sociales, lo sabemos. Como tal no existe un problema de la realidad. La cuestión de lo existente y de su contemporaneidad, reside en que lo que hay, lo real, que supone algo desmesurado y cruel, resulta implicándonos e interpelándonos cada vez más poco. El problema es de nosotros
No podemos duplicar la realidad, ni en el aula, ni en el cine, ni en ningún arte. Esto nos lleva a extremas distancias.
Sound of Noise film (2010)
El noise como una forma de perturbación cultural, que opera tanto como una crítica al silencio y ausencia de mediación que produce el capitalismo actual, como a la institucionalidad musical, sus métodos, protagonistas y soportes. El noise (como el capital) tiene fuertes implicaciones en lo social como en lo perceptual (existencial). Abrirnos al noise y a sus cortocircuitos, quizá nos llevaría a encontrar caminos para la resistencia como para la repartición de lo sensible.
Este es un extracto de pensamiento que fue escrito después de haber leído el texto de Antonio Lafuente llamado “Los hackers son los científicos de la nueva Ilustración” (Leer completo el artículo de Antonio Lafuente AQUí)
La primera ilustración (s. XVII) con un matiz enciclopédico y libresco en el que participó una élite altamente formada y que desarrolló una plataforma discursiva a través de un conocimiento experto que condicionó las formaciones culturales y sociales como la industria, la ciencia y la tecnología, el Estado-nación, la escuela, el mercado y la democracia, viene siendo empujada por otras dinámicas mundiales a las que hasta este momento no le encontramos bien definiciones pero que sí sabemos que son umbrales y transiciones. Este primer movimiento que promovía la idea de razón, progreso, ciencia y sujeto, viene siendo empujado, aunque a veces no seamos muy conscientes de ello, por una segunda ilustración, en donde la inteligencia colectiva, la potencia de los afectos, el saber compartido, las residencias en la tierra, la montaña compartida, el hackeo y remezcla de la ciudad y de nosotros mismos, los juegos patafísicos, el cuidado y la producción colaborativa de bienes comunes constituyen algunas de sus características.
Vivimos una permanente oscilación de la figura heroica del partido político, el profesor, el intelectual, el artista y el experto al de la inteligencia colectiva, de una emergencia de actores y de amateurs, que no sólo se resisten y protestan, sino que dan cauce a sus conflictos por medio de proyectos compartidos, diseños sociales, sostenibles y situados. Pasamos de un mundo que parecía ir linealmente a un futuro mejor, movilizado por el mercado o el Estado, a cuestionamientos que demuestran la necesidad de restituir la capacidad de invención cotidiana colectiva, de ciudadanía profunda (Clarke) y de una colaboración más abierta y compartida.
Somos conscientes de que esta segunda ilustración ha de ser anónima, rizomática y común, algo parecido a una movilización global de lo común. Siendo lo común no el miedo (Hobbes), ni la culpa (Rousseau) sino la potencia, la vida feliz y potencialmente abierta a nuevos descubrimientos. Esta época exige incubar más comunidades y ciudadanos vivos que compongan las fiestas del futuro.
Este nuevo momento que estamos viviendo al ser transicional necesita mucha vitalidad y estar vigilantes y no creer que va superar en contenidos a la primera ilustración. Podemos empezar ya delinear el futuro, compartiendo utopías y posibilidades. Podemos empezar pasar de los enunciados a las prácticas compartidas, donar afectos, descifrar lo que nos obsesiona, nuestras intuiciones y proyectos. Abrir el código fuente de nuestros descubrimientos y de nuestras gestas humanas. Para esta segunda revolución tendremos que aprender de fenómenos tan complejos como la bioluminiscencia, la polinización, la remezcla.
El cine de Pedro Acosta, te hace una mirada y un guiño directo; interpela a una razón emocional y a un inaugural nacimiento. Los planos que brinda este acontecimiento cinematográfico, permite que te descubras y emancipes tu mirada. Poco a poco, cuando vez estas imágenes, una y otra vez, la mirada se va dotando de fertilidad y de una libertad de movimiento inusitada. Al tiempo que vas descubriendo como el artificio que estas presenciando, recrea tus propias ficciones.
A pesar de la oscuridad y opacidad manifiesta en imágenes que proyecta este director, que a primera vista pueden hacerte pensar en un fallo técnico o en una pobreza en la producción, es evidente como es capaz de inundar el espacio de la percepción de una extraña claridad frente al poder de la desposesión y de los que no hacen parte. Tal vez este director haya descubierto en el microplano y en el tenue encuadre, así como en el poder del vaciamiento y de la vida en tiempos paralelos, un lugar apropiado para suspender el poder de la espectacularización y de la especulación de las vidas vacías que tanto las políticas como los medios hacen visible, o por decirlo de otra manera, las ubican en batallas ideológicas carentes de subjetivación.
Se asiste en muchos momentos de sus escenas, a una especie de fin de las ideologías y el inicio de una captura del vacío que transgrede tu mirada.
En el cuarto de Vanda y en Juventude em Marcha, hay instantes donde la mirada se sustrae a la interpretación: aquí hablan los objetos y la ausencia de luz, aquí la vida se demora. Por eso el cine de Pedro Acosta es un cine de la impotencia politizada, de la disminución de la luz a favor de la implicación y compromiso de tu mirada. El tiempo y el espacio que logra hacer visible ( y no sus historias) en muchos momentos te hace partícipe de una intensidad de la imagen pensativa y a una potencia pasiva que arroja brillo a todo la oscuridad que nos habita.
Es un cine sin actores y no se ata a la estructura de una historia o un guión predeterminado. Es cine puro que tiene el poder, si lo quieres, de rediseñar tu mirada. Además es un cine que se priva de grandes técnicas de iluminación artificial, de representar la crueldad a través del gesto documental. Los planos son organismos que invaden tu película cotidiana y tu banda sonora. No son los desposeídos, ni víctimas de la censura de la representación, ni objeto de la mirada del director. Las vidas están allí hablándonos desde muchos lugares a todos, al universo entero, desde un lugar oscuro y marginal con la compañía de objetos y sujetos emborronados.
Protografías. Exposición del artista Óscar Muñoz.
Museo Banco de la República. Bogotá. Marzo 2012.
Proto. Concepto mudo y entrecortado. Apenas el inicio…. se dice uno al entrar a la exposición de Óscar Muñoz. Sombras y ausencias arraigadas en imágenes mudas, superposición de técnicas que son simplemente existencias en movimiento. Rostros que encubren lo desconocido e identidades que brillan por su anonimato. La exposición cautiva con los dibujos - que son pasillos oscuros que hablan de las ausencias y te hacen pensar en las presencias; la cortina de baño - donde se imprimen las huellas de lo humano y connotan el ingreso a la intimidad de lo anónimo, a la velocidad de lo ordinario. Videos que capturan un momento antes de la muerte, antes de la imagen: donde el tiempo era niño. Fotografías sobre planos de la ciudad, que actúan como planos vivos, que ningún trazado de ninguna persona puede contemplar y que no son urbanizables. Imágenes fijas en las que se yuxtaponen imágenes que son impresas por el agua. Y una última obra, que cierra el recorrido y es en mi concepto el rastro anónimo del artista, es la acción simple donde el artista o cualquiera de nosotros está pintando, donde deja instalado su irónico pesimismo y su social entrega a las ficciones comunes.
¡Alamar. Pedro González. Mantarraya Producciones.
Alamar. A la mar, a la mar, a la mar, como un canto sostenido en el viento. Como el arrullo de la mar, del palafito, de la blanquita, del niño, de las olas y la artesanía vibrante de la naturaleza. Es un canto a la vida y un vida de canto…. A la mar, a la mar, a la mar… Alamar es una Película de Pedro González.
ALAMAR. TORRENT
